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JAUME PRAT ORTELLS | ...comentarios y preguntas

artículos · reflejos · ecos

editor: Félix Arranz

arquitectura + arquitectos

scalae ebook collection #006, spanish draft edition

junio 2013

ISBN: en versiones finales de este ebook y de su versión impresa

bookID: scalae.net-jprat-from-draftESP-20130630-01

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scalae documenta, difunde y estimula el debate, la crítica y la investigación de arquitectos y agentes vinculados con el relato, la constitución y la construcción de arquitecturas que dan lugar y posibilidad a la vida y a las aspiraciones de las personas.

www.scalae.net

[créditos de la colección. 2017]

Félix Arranz, editor y director

Jaume Prat Ortells, Anna Bach, Paula Esquinas, Elisabet Mallafré, editores asociados

Ferràn Figuerola, editor industrial associat

Josep Cusidó, editor industrial asociat

Marta Ferrer, editora industrial associada

Birgit Zoendler, editora industrial associada

Vicente Martínez-Cosentino, editor industrial asociat

Irene Elorza, editora industrial associada

Jordi Vallverdú, editor industrial asociat

consejo editorial

personas invitadas:

Santiago Alfonso, Eugeni Bach, Jordi Badía, Olga Felip, Borja Ferrater, Beth Galí, Jordi Ludevid, Fernando Marzá, Josep Lluís Mateo, Ariadna Perich, Xavier Torras.

consejo industrial:

Cricursa · Lamp · Figueras · Geze · Cosentino · Pergo · Roca

red institucional y de subscripción

entidades invitadas:

Col·legi d'Arquitectes de Catalunya (library) · Institut Ramon Llull · Arquitectes per l'Arquitectura · Associació Arquinfad del Foment de les Arts i el Disseny · Escola Tècnica Superior d'Arquitectura de Barcelona, UPC · LaSalle URL · ESARQ UIC · Catalunya Ràdio

scalae universal app >>> http://scalae.mobapp.at

[colección internacional de ebooks de scalae]

La colección internacional de ebooks de arquitectura y arquitectos de scalae es una iniciativa europea, nacida de Barcelona y resuelta con el apoyo y trabajo conjunto de un grupo de expertos, empresas e instituciones comprometidas en la internacionalización de las industrias y de sus labores, en la inteligencia de productos para la construcción, en la configuración de un proyecto arquitectónico basado en el intercambio cultural y el debate.

La colección se apoya en las experiencias previas, editoriales y de relación, propuestas bajo el denominador común del cabecero scalae: la iniciativa editorial de los pliegos en papel (scalae 0.0; 2003), radiofónica de los podcast mp3 (scalae 1.0; 2005) y documental rss en scalae.net (scalae 2.0; 2009) y de comunidad relacional en la app scalae (scalae 3.0: 2014) todas ellas complementarias y activas., todas ellas complementarias y activas.

Los volúmenes de la colección se organizan con hasta tres libros, variantes, para cada titular, siendo los titulares arquitectos, estudios y agentes de la arquitectura europeos e internacionales. La primera variante, …self, recoge, mediante la transcripción de una conversación que es publicada simultaneamente en la red como podcast mp3, los principios, procesos y situaciones de los titulares, además de una selección de elementos gráficos significativos en los que la mano personal o la manera singular de los titulares ha estado implicada. La segunda variante, ...from, expone el juicio, la experiencia o la crítica de los titulares sobre sujetos y objetos de su afecto. La tercera variante ...about refleja el juicio, la experiencia o la crítica de terceros sobre las realizaciones, técnicas o productos profesionales y personales de los titulares. Las variantes ...self, ...from y ...about, una vez publicadas como ebooks gratuitos y de distribución internacional en idiomas inglés, catalán y español, en formatos mobi (Kindle®) y ePub (iBook, iPad, eReaders), constituyen el volumen completo dedicado a un titular.

Como final del proceso de producción “a la vista”, en la red y de las sucesivas versiones de los ebooks resultantes, los números de la colección se materializan en una tirada resuelta en impresión bajo demanda y a precio económico, destinada a personas interesadas en disponer de la variante impresa de la colección, a los fondos de bibliotecas públicas de referencia en Cataluña y España y a centros internacionales de arquitectura y cultura

La colección administra un trabajo, un mapa fractal de participación, desde su consejo editorial y desde las intervenciones de múltiples agentes, en el que la motivación es de apertura, documentación e investigación orientadas al debate, donde no se plantean patrocinios sino colaboraciones corresponsables y en el que los conceptos publicitarios tienen una alternativa en la expresión directa y contextualizada.

[créditos del ejemplar. 2017]

· ejemplar: Jaume Prat Ortells ...comentarios y preguntas, draft, ESP

#006 scalae architecture + architects ebook collection, junio 2013, scalae ed, Barcelona (Catalunya; Spain; Europe) v1.2

· editor: Félix Arranz

· social management: Montserrat Arnau

· traducciones al español: Félix Arranz

· verificación de textos en español: Remedios Martí

· fotografías: Jaume Prat, Montserrat Farrés y Xavier Ortells

· dibujos y croquis: Jaume Prat Ortells

. soporte técnico y de distribución: Micky Bou [ysi.net]

. distribución gratuita y subscripciones: archBIB.com

. ebooks@scalae.net

. english version of this ebook avalaible at archBIB.com

. disponible la versió en català d'aquest ebook a archBIB.com

[nota técnica]

Este ejemplar de la colección internacional de ebooks de arquitectura + arquitectos de scalae tiene la característica draft del libro ...from correspondiente al arquitecto, editor y escritor Jaume Prat Ortells. Su bookID es: scalae.net-jprat-from-draftESP-20130630-01. Su emisión se inició el 30 de Junio de 2013, de manera que durante los meses posteriores habrán de producirse las revisiones "ready" y "final" del mismo ejemplar, incorporando las sucesivas correcciones y actualizaciones de contenidos previas a la versión para impresión material, como libro destinado a bibliotecas y a coleccionistas. En paralelo pueden sucederse los libros ...about y ...from sobre y del mismo autor, igualmente sujetos a las revisiones previas a la versión para impresión (ver la explicación completa sobre la colección)

bonus track

por Félix Arranz

1.

Tendrá que disculpar quien lea esto una presentación que es doble y que se refiere, necesariamente, al autor de esta publicación y a la serie en la que se sitúa. Vamos a ello: este ejemplar «…from Jaume Prat Ortells» es el primero de los …from de la colección de ebooks de arquitectura + arquitectos de scalae. La relación cruzada entre los …self, …from y …about es la química nuclear de la colección y su explicación viene incluida siempre en los créditos.

Sin embargo, la lógica interna de un …from –otra disculpa resulta necesaria por una terminología tan poco simpática, aunque esperamos eficaz– quedaba hasta ahora pendiente. Lo que va a encontrar el lector en los …from es un empaquetado de artículos, reflejos y ecos que, en su convivencia, ofrecen simultáneamente los puntos de vista del autor sobre cuestiones que le conciernen personal y profesionalmente y, también, un punto de vista exterior sobre el propio autor por cuanto sus elecciones, experiencias y relatos evidencian sin remedio su personalidad, completando lo que cuente de sí mismo en un –posible– …self, o lo que terceras personas cuenten sobre él o ella en el –posible– …about.

Los artículos incluidos en los …from y ..about se plantean –con límites anchos, de modo relajado– conforme a una matriz que hemos ido motivando y perfeccionando durante aproximadamente un par de años, quizás algo más, con Jaume y con otros autores que se han prestado a ello en notas publicadas o por publicarse en scalae.net, que consiste en ofrecer relatos escuetos sobre dos cuestiones paralelas. De esas dos cuestiones, una de ellas es siempre sobre arquitectura o arquitectos; la otra, sobre todo lo otro, de modo que una y otra convivan, no tanto como metáforas cruzadas o como explicaciones accesorias sino como perfectos paralelos de la imaginación o de la realidad, que a veces tienen el común de una referencia y a veces… ni tan siquiera eso.

Nuestra confianza está en que, cuando menos, a cualquier lector le interesará la mitad de lo que se está contando, aunque la otra mitad tenga que esperar su curiosidad, su paciencia, su educación, o… su beatificación, todas ellas sin prisas.

Nuestro deseo es contribuir en contaminar el relato de arquitectos sobre arquitectura, o viceversa, de modo que el relato colectivo pueda obtener una legibilidad y comprensibilidad que merece y que frecuentemente quedan ocultas o, directamente, se esconden.

Pero hay más: los reflejos y los ecos. Los reflejos son láminas gráficas que ofrecen una reflexión –literal– sobre lo explicado en los artículos, de modo que puede ocurrir tanto que el reflejo complemente y permita contextualizar el artículo como lo contrario: que el artículo sea la explicación del reflejo. Artículo y reflejo, ambos de la mano del autor, son un mismo asunto.

¿Y los ecos? Son pequeños comentarios, reacciones directas, datos aportados, apostillas… de terceras personas en el caso de un …from, o del autor en el caso de un …about. En ambos casos, …from y …about, pueden incluirse ecos de personas que, desde una perspectiva profesional, industrial, de producto, de tecnología o de servicio, tengan la disposición de apoyar el debate subyacente con su experiencia y recursos. Los ecos se inician con el primero de ellos, por invitación de los editores, y siguen en una cadena de participación abierta. La versión final del libro tendrá que recoger una selección de entre los que el aire y la espontaneidad de los lectores estimen traer.

2.

Tenemos así entre las manos nueve declaraciones personales de Jaume Prat Ortells. Son nueve relatos de nueve experiencias que tienen en común el planear paralelo –rara vez choque o cruce, jamás metáfora– entre fragmentos de arquitecturas, retales de arte y expresión de vida: circunstancias, precisiones o vivencias relacionadas con la literatura, el cine, la música popular o algo que no tiene todavía nombre. No es crónica, crítica o recomendación lo que aquí se ofrece, sino expresión directa de aconteceres y sentimientos personales planteada de un modo que intenta atraer a la memoria del lector los mecanismos de registro, comprensión e interpretación de la realidad que son característicos de los sentidos humanos cuando intervienen sin exclusión; de una manera de sentir que es pícara y provocadora, siendo seria y atenta, con el foco puesto en ese tipo de detalles que atienden el tacto simultáneo de todo el cuerpo, el rabillo agudo del ojo, el olfato fino, el oído despierto, el gusto cultivado.

Así es como Jaume nos trae, para los sentidos, la vida y la arquitectura: tal y como él los asume. Jaume dibuja, escribe,* fotografía, conversa, piensa sin poder ni querer evitar ser arquitecto; arquitecto de ese tipo de arquitectos que disfrutan hasta el delirio sabiendo e indagando cómo se hace, por qué, cómo; a qué y a quiénes afecta cualquier cuestión que termine siendo arquitectura, construida o imaginada.

Jaume es catalán, de Catalunya; lo sitúa, lo expresa rotundamente y con ello –precisamente– se ofrece universal, de siempre y nunca, de cualquier tiempo y lugar.

FA, junio de 2013

(*) Sin duda, Umberto Eco habría de conceder, sin pena, a esta triangulación de relatos y al modo como Jaume Prat Ortells la resuelve una y otra vez en sus artículos, la esencia de lo que se considera «literatura», por cuanto mantiene la esperanza de sus cinco requisitos: el autor publica lo que desea estando satisfecho de ello; el autor ofrece la ambigüedad como útil expresivo sin perjuicio de la salud ni de la comprensión del lector; el autor asume y explota la autorreferencia como algo no solo inevitable sino solvente; el autor convoca los recursos personales, la inteligencia misma, del lector con la provocación de algún modo de hipercodificación y, con ello, conecta con su complicidad; y –finalmente– el autor dispone su propia manera, personal y reconocible, de expresión: su "idiolecto" estético. Además, permite a los lectores disfrutar: esa es la «bonus track».

[índice: artículos y ecos]

1 "...espacios erógenos" –revelación trascendente en un templo–, sobre asuntos de Juhani Pallasmaa y Álvaro Siza, con un primer eco de Juan Domingo Santos.

2 "...una serenata friki" –encuentro en Tarragona–, sobre asuntos de Pascal Comelade, Josep María Jujol y Josep Llinás, con un primer eco de Josep Quetglas.

3 "...el merodeador de las planas altas" –atracción por los colores venenosos–, sobre asuntos de Clint Eastwood, Five architects, Jean Nouvel, Steven Holl, con un primer eco de Alina Granados.

4 "...otro ladrillo en el muro" –recurrencias psicodélicas y arquitectura sonora–, sobre asuntos de Pink Floyd, con un primer eco de Jordi Gas.

5 "...corazón bebido" –deployé de cobre, pixels construidos y baterías sin platillos–, sobre asuntos de Jeff Buckley, Lou Reed, Rod Stewart, Michael Roschach, Caruso St. John y Herzog & de Meuron, con un primer eco de Michael Roschach.

6 "...el blues del matadero" –beneficios de la conservación del patrimonio industrial–, sobre asuntos de Antoni Rovira i Trías, Pere Falqués, Luis Bellido, José Eugenio Ribera, Beth Galí, Marius Quintana, Antoni Solanas, Arturo Franco, Andrés Jaque, Langarita-Navarro, Iñaki Carnicero, Ignacio Vila y Alejandro Viseda, con un primer eco de Juan Navarro Baldeweg.

7 "...mística doméstica" –de profundis Cataloniae–, sobre asuntos de Mossèn Cinto Verdaguer, Roger Mas y RCR arquitectes, con un primer eco de Carme Pigem.

8 "...apartad de mi esa luz", –el cáliz del contraluz, de las religiones, de internet–, sobre asuntos de Tadao Ando, Nick Cave, con un primer eco de Oriol Bohigas.

9 "...me voy a inventar un plan", –mi generación, cuatro palabras sobre el contexto–, sobre músicos y arquitectos de la generación de Jaume Prat Ortells, con un primer eco de Olga Felip.

...espacios erógenos

–revelación trascendente en un templo–

Es posible que el legado principal a extraer de los escritos de Juhani Pallasmaa sea la comprensión de la arquitectura como una prolongación orgánica de nuestro cuerpo, capaz de ser percibida como una zona erógena más. Desde su experiencia personal, arraigada a un país con una cultura, densidad de población, clima y paisaje diametralmente opuestos al nuestro,* Pallasmaa habla de la necesidad –del deber– de la arquitectura de re-erotizar y de re-ritualizar el espacio.

Erotismo y ritual pueden suponerse como conceptos prácticamente sinónimos: el sexo tiene mucho de ritual, de fiesta de los sentidos. El inicio de una relación sexual es gradual. A veces incierto. Como un proyecto. El final, explosivo. Una culminación en toda regla donde, si se alcanza bien, siempre será un punto y seguido.

Uno de los momentos en los que he podido experimentar esta sensación de continuidad con la arquitectura con más intensidad fue durante una visita a la Iglesia de Marco de Canaveses, cercana a Oporto, de Alvaro Siza. Se trata de un espacio sagrado en función del hombre antes que en función de una divinidad demasiado lejana, ahora convertida en mera excusa para la construcción del edificio. Más que una iglesia tópica, en realidad es un centro cívico donde la configuración de los espacios recupera el sentido laico de la trascendencia. El edificio parece estar concebido para acompañar cualquier momento importante en la vida de una persona, desde su nacimiento hasta su muerte, como si se tratase de una segunda piel de sensualidad profunda que convierte a la vista en el menos importante de los sentidos, cuestionando, de paso, cualquier teoría que sistematice la arquitectura como un sistema de relaciones visuales.

El cuerpo principal –una basílica con el techo a mucha altura y con un cielo raso plano– funciona como un enorme depósito de luz natural indirecta, abierto por el lado noreste al pueblo y a las vistas mediante una ventana horizontal corrida; una ventana que es estrecha y larga, sin ningún soporte intermedio, que está a la altura de la vista de una persona sentada.

Tuve ocasión de acceder completamente solo. Tomé asiento en una de las sillas del final de la nave, a mano izquierda. Detrás de mí se abría el baptisterio, ubicado en una pequeña sala prismática de la misma altura que la nave principal. La sala del baptisterio sobresale del gálibo del templo por la fachada frontal, a la izquierda del altar, formando una especie de contrafuerte. Su par, ubicado a la derecha, aloja el campanario, y los dos señalan un espacio a cielo abierto que sirve de umbral a la puerta principal, de siete metros de altura.

El baptisterio tiene dos vanos: una vidriera que abre el espacio hacia el umbral de la entrada y un lucernario superior que baña un mural cerámico –realizado por el arquitecto mismo– en que una persona bautiza a otra, ambas de pie, enfrentadas en posición de igualdad y envueltas por la propia geometría de la pared –la que queda a nuestra izquierda según se entra–.

La pila bautismal es un enorme bloque de mármol, una única pieza torneada, de planta circular, ubicada en el centro de la capilla, en el centro de un círculo que se hunde en el pavimento; una depresión circular también de piedra, de unos cinco centímetros de profundidad.

El agua no está estancada: se trata de una fuente que desagua por un agujero practicado a la piedra que conecta el desguace superior con un hueco circular situado a unos sesenta centímetros del suelo. El agua cae desde esa altura a la depresión circular produciendo un ruido continuo que llena el espacio por completo.

Este sonido, y los reflejos de su eco, perfectamente perceptibles desde cualquier posición en la nave central, es la iglesia.

Puedes cerrar los ojos y sentir el espacio. Un ciego que visite el edificio podrá hacerse una idea tan exacta de su configuración como cualquier persona dotada del sentido de la vista.

Sensualidad. Erotismo y ritos. Ritos mas allá del propuesto por la Iglesia Católica. Ritos como dignificación de nuestras conductas cotidianas. Ritos como vehículo de un erotismo, de una sensualidad, que tiñe completamente nuestro modo de comportarnos en este interior donde pude sentir que el espacio no es solamente algo que te rodea, sino que puede invadir tu interior como lo hacen los amantes que dejan huella para siempre.

J.P.O.

(*) Nota del Editor: El autor escribe esto desde el litoral barcelonés en un día soleado de finales de primavera, consciente de que la playa –apenas a doscientos metros– rebosa de cuerpos abrasados.

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Una versión previa de este artículo, documentada con imágenes, puede leerse en scalae.net

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eXtra track -youtube- Siza sings | Film by Fernando Guerra, 3'13"

ecos de ...espacios erógenos

Recuerdo una tarde del mes de agosto, en Oporto, con Álvaro Siza comentándome la inolvidable experiencia que había tenido al visitar la Iglesia del convento de las Capuchinas de Luis Barragán

Hacía alusión al momento en que, situado en el interior de la pequeña iglesia y en un ambiente de recogimiento, comenzó a escuchar a lo lejos a unos niños jugando a la pelota en la calle. Aquella extraña sensación, mezcla de la espiritualidad de un lugar sacro a la vez que eco de los sonidos lejanos de la ciudad, le causaron una honda impresión.

La misma que experimentó Jaume Prat en su visita a la Iglesia de Marco de Canaveses de Siza, donde el paisaje de los montes lejanos que se divisan a través de la estrecha y alargada ventana y la imagen tallada de la Virgen apostada junto a los feligreses envuelven el espacio de una extraña religiosidad.

Un espacio entre el rito y lo mundano.

Abrir una ventana a un espacio así es un acto único y arriesgado que otorga al lugar de una cotidianeidad sin precedentes.

No me extraña la sensación de Jaume ante aquel escenario hecho desde la emoción del hombre con su entorno, en un acto sublime de la imaginación poética.

por Juan Domingo Santos, arquitecto

(www.juandomingosantos.com)

[Museo del Agua en Lanjarón, Granada; Atrio de la Alhambra, Granada –con Álvaro Siza–]

...una serenata friki*

–encuentro en Tarragona–

Pascal Comelade es uno de los músicos contemporáneos más interesantes. Catalán del norte, afincado en Ceret (Languedoc-Rosellón, Francia), hijo de cocinera medievalista, discípulo de John Cage, cuenta con una de las discografías mas sólidas de todo el panorama europeo. Desde su primer disco, Fluence, editado en 1975, hasta la fecha, es autor de casi cuarenta discos de estudio, bandas sonoras, música para ballet y teatro, además de colaboraciones con el poeta Enric Casasses, con los músicos Albert Pla, Lluís Llach y, en el ámbito internacional, PJ Harvey o Robert Wyatt. Su obra resultará extraña a los no iniciados ya que consigue música con cualquier cosa que suene: desde instrumentos de juguete o juguetes hasta bolsas de supermercado, un tubo de aspirador, pajitas afinadas con tijeras, martillos o guitarras viejas e, incluso, la Bomba del Liceu como instrumento de percusión definitivo,** mezclados en un todo coherente que baraja temas propios y ajenos: de Kurt Weill a Camarón de la Isla, de Ovidi Montllor a The Rolling Stones, The Velvet Underground o The Modern Lovers y su Reggae egipcio.

En 2009, el músico grabó el disco Friki Serenata con un grupo de músicos que había conocido algo antes en un homenaje a James Brown. Se trata de uno de sus trabajos más genuinos. La interpretación con instrumentos de juguete alcanza extremos depuradísimos. Un ejemplo estupendo es el uso de guitarras de plástico compradas en jugueterías, filtradas con pedales de distorsión y tocadas –debido a la calidad pésima de los trastes de juguete– con slide, que es un cilindro metálico que se desliza sobre las cuerdas sin que toque el mástil. Un buen ejemplo de ello es el solo improvisado en el tema que da título al disco. El resultado es una mezcla de lo grotesco con lo refinado, jugando con la sutil frontera que separa el riesgo del ridículo y a favor de una expresividad máxima.

Josep Maria Jujol trabajó exactamente del mismo modo como arquitecto independiente. Su primera obra, el Teatre Metropol de Tarragona (1908), está situada en la Rambla Nova de la ciudad, insertada en un patio interior de manzana. Se accede por un bajo comercial a través de un edificio existente. Se construyó con una combinación de estructuras completamente nuevas –como las bóvedas de los pasillos, invertidas, formadas por pletinas planas trabajando a pura tracción– y elementos reciclados procedentes de otros edificios –como la práctica totalidad de las carpinterías, que eran de segunda mano. Sorprende su escala, de modo que cualquiera que supere el metro ochenta de altura se notará torpe.***

Los acabados eran temáticos: el acceso al patio de butacas suponía un viaje al fondo del mar, contemplando, por debajo, las aguas enfurecidas. Las bóvedas que citaba antes tenían los nervios pintados de amarillo paja para contrastar con el color azul intenso de las paredes y el techo. Algunos vidrios estaban teñidos de color rojo sangre. Incrustados en el pavimento se encontraban motivos zodiacales y marinos, signos de agua.

La pérdida de uso del teatro y su reutilización posterior como sala de cine motivó el derribo de algunos elementos y el trasdosado de otros tras cañizos y paredes falsas que –cuando el cine fue abandonado– podían ser arrancados para revelar la decoración original, prácticamente olvidada.

El edificio fue restaurado por el arquitecto Josep Llinàs, quien, con muchas dificultades, pudo recuperar el teatro convirtiéndolo en una obra del tiempo actual superpuesta a lo que quedaba del edificio original. La mayor parte de las carpinterías originales no pudieron ser recuperadas y se sustituyeron por modelos que negociaban su deuda histórica con la imposibilidad de clonar las originales sin caer en la parodia. La caja escénica se sustituyó mediante la construcción de otra de nueva planta con fachada a la calle Armanyà, que supone la posibilidad de poder abrir el escenario al exterior y al patio de butacas simultáneamente. La restauración, un éxito arquitectónico y social,**** motivó que el teatro siga incorporado a la vida cultural de la ciudad.

Pascal Comelade lo ha celebrado tocando allí más de una vez, superponiendo físicamente, en el tiempo y en el espacio, dos maneras de hacer idénticas en disciplinas diferentes. O no tan diferentes.

J.P.O.

(*) Friki Serenata, álbum de Pascal Comelade, 2009

(**) Enciclopedia Logicofobística de la música catalana. Comelade, Pascal; (1998). Editorial El Trabucaire. ISBN 9782905828385.

(***) Con ocasión del centenario del Palau de la Música Catalana de Lluís Domènech i Montaner se editó un pliego especial de scalae que, al desplegarse, mostraba las plantas de diversos auditorios del mundo, entre ellos el minúsculo –en comparación con todos los demás– teatre Metropol de Jujol. Las persones interesadas pueden descargar una copia de ese poster.

(****) En el mismo año, 1996, en que Josep Llinàs obtuvo el premio Ciudad de Barcelona, la restauración del teatre Metropol obtenía el premio FAD, concedido por un jurado presidido por Norman Cinnamond e integrado por Gabriel Allende, Jaume Bach, Olga de la Cruz, Manuel Gausa, Nancy Robbins, Ton Salvadó y Eduardo Souto de Moura y contra un pronóstico que daba como seguro ganador del premio al MACBA de Richard Meier.

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Una versión previa de este artículo, documentada con imágenes, puede leerse en scalae.net

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eXtra track -youtube- Enric Casasses i Pascal Comelade - Sense el ressò del dring, 3'20"

ecos de ...una serenata friki

Pues no me parece adecuado mezclar a Comelade con John Cage, a no ser para oponerlos.

Cage nos ha enseñado a no llamar la atención. Cualquier señal al espectador para que mire o admire algo, en una dirección determinada, convierte al espectador en sumiso. Cage propone lo contrario, un espectador libre, con una atención indiferente, capaz de atender tanto a las toses como al tráfico, como a los chirridos de las butacas, como al piano: el auditor se escucha oír, sin jerarquías: él hace la música.

Si lo que se quiere hacer ver es a un personaje original sobre un escenario, siempre preferiré a Juan Tamariz o a Pep Bou, los únicos verdaderos artistas plásticos de estos tiempos.

por Josep Quetglas, arquitecto y catedrático

(perfil en scalae.net)

[Massilia: anuario de estudios lecorbusierianios 2002-2007, en UPC commons]

...el merodeador de las planas altas

–atracción por los colores venenosos–

Las historias de venganzas son un género literario incómodo. Se detecta una pauta: un personaje central consigue redimir un agravio tras un viaje iniciático que le transformará para siempre. La venganza será premeditada –por definición–, dura, incómoda: ni se perdona ni se olvida, sino que se consagra la vida a una finalidad destructiva que vacía completamente a quien la lleva a efecto. A menudo será desproporcionada. Habrá víctimas colaterales. El final será tan retorcido que llegará a negar la posibilidad de una catarsis.

En 1973 se estrenó el segundo largometraje de Clint Eastwood, High Plains Drifter –titulado Infierno de cobardes por la distribuidora española, título más directo y banal que el original que, traducido, sería algo así como El merodeador de las Planas Altas–: una durísima historia de venganza en la que un pistolero sin nombre y sin pasado –podría incluso tratarse del mismo personaje que, doce años después, protagonizará Pale Rider, quizás la primera obra maestra absoluta del director– acabará con una banda de bandidos a los que previamente dejará arrasar el pueblo del que también se quiere vengar,  provocando su desaparición sin compadecerse en absoluto de nadie. Cuidado con la versión española, que desgració el guión original dándole al protagonista un motivo al convertirlo en el hermano de un sheriff asesinado por los villanos, parentesco que sólo era tal en las primeras versiones –descartadas– del guión.

Eastwood le da la vuelta al género negando cualquier identidad y –en consecuencia– cualquier motivo al protagonista, convertido así en un personaje ambiguo, sobrenatural, una especie de ángel justiciero salido de las páginas más oscuras del Antiguo Testamento.

High Plains Drifter tiene una estructura en espiral donde la violencia física y moral va en aumento hasta la orgía final de sangre. Para preparar este final, el protagonista ordenará a los habitantes del pueblo que lo pinten –tal y como si cavasen su propia tumba– completamente de rojo: fachadas, paredes, tejados, carpinterías. Todo de rojo sangre. El pueblo, un decorado construido ex profeso para la película en la ribera del lago Mono, en California –un lago salado cercano al lago Tahoe, del que Eastwood se enamoró hasta el punto de mandar reescribir el guión para situar allí la acción– quedará totalmente trascendido, convertido en arquitectura con este único gesto. La pintura roja lo uniforma y convierte en un proyecto unitario, una obra que  anticipa experiencias posteriores de los Five Architects, u obras de arquitectos como Jean Nouvel (Colegio Anne Frank en Antony, de 1980, por ejemplo) o Steven Holl (Casa en Martha’s Vineyard, de 1988). La cualidad arquitectónica que esta capa de pintura le da al pueblo es indiscutible.

Pero no se debe olvidar el motivo de esta intervención: la escenificación de una venganza, la conversión del pueblo en un escenario dantesco, una alegoría explícita que incluye un cartel que da la bienvenida al infierno.

Lo que trasciende este conjunto desorganizado de casas hasta convertirlo en arquitectura es la voluntad de hacer el mal. El señuelo, la manera de mostrarlo, es análogo al color que la naturaleza usa para advertir que el ser vivo que lo posee es venenoso.

Muchos edificios contemporáneos están decorados con esta paleta de colores: combinaciones violentas de amarillo chillón y negro; rojo; naranja con verde brillante. Colores malsanos usados como signo de peligro reconvertidos en orgulloso signo de identidad, reconfigurados como algo atractivo al ojo en una inversión de código digna de reflexión. La película, en cambio, usa el código de colores de una manera análoga a como lo usa la naturaleza: arquitectura como signo de peligro mortal.  Retorcer la semiótica usando los colores de advertencia como plumajes que atraen la atención sobre los edificios –independientemente de su calidad– es todo un manifiesto sobre la antiurbanidad –literal– de determinadas arquitecturas reclamo.

O, quizás, una manera de advertirnos de que son más peligrosas de lo que pensamos.

J.P.O.

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Una versión previa de este artículo, documentada con imágenes, puede leerse en scalae.net

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eXtra track -youtube- High Plains Drifter Movie CLIP - The Stranger Rides Away, 3'03"

ecos de ...el merodeador de las planas altas

Leyendo el entretenidísimo artículo de Jaume Prat sobre arquitecturas y semióticas del color, me vino a la cabeza no una imagen, sino un olor, el de una fábrica de curtidos en Fez, en donde estuve un par de veces durante mi juventud.

El escenario no guardaba relación con aquella pestilencia. Me pareció una caja de acuarelas gigante, barro, pigmentos y sol rodeados de edificios rojizos construidos con materiales autóctonos. Todo tenía su función.

Años más tarde, en la casa de los Vettii de Pompeya, volvió a aparecer el rojo en las paredes –ahora dicen que era amarillo antes de la erupción–, pero esta vez con un significado diferente, artístico hoy en día, decorativo quizás en la época. El tiempo y la naturaleza le van dando sentido al color. Dicen que la ciudad india de Jodhpur se pintó de azul porque es lo mejor para ahuyentar los mosquitos y desviar el calor. Lo mismo ocurre con Chefchauen en Marruecos o Isfahan en Irán.

Si el color lo percibimos como algo natural y funcional no nos sorprende, pero sí lo hace cuando hay un componente snob –sine nobile– que maquilla, desnaturaliza y fuerza lo que está poco o mal trabajado. La escena que describe Jaume Prat en que los habitantes del pueblo son obligados a pintar sus casas de rojo como si cavasen su propia tumba me remite precisamente a esta idea, a la desviación del desarrollo natural de los materiales y, por tanto, a la muerte de su autenticidad.

por Alina Granados Loureda, pintora y licenciada en filología

(blog comprenderelarte.wordpress.com)

[Artículo en Tectónicablog sobre la Exposición 2013 en Museen im Antonierhaus. Memmingen, Baviera, Alemania]

...otro ladrillo en el muro*

–recurrencias psicodélicas y arquitectura sonora–

En 1967, mientras Pink Floyd está inmerso en una gira de conciertos, su líder y compositor de casi todos los temas del grupo, Syd Barrett, enloquece y queda mentalmente discapacitado hasta su muerte en 2007. Richard Wright, Nick Mason y Roger Waters, que eran los tres miembros restantes, habían estudiado arquitectura. Liderados por Waters darían cuenta de su formación proyectando la versión más rentable del grupo. Lo harían arquitecturizando la música de un modo que su resultado queda a la altura de cualquier manifestación convencional de la disciplina.

El primer gesto de los miembros supervivientes del grupo fue fichar al único músico natural con el que contarían, el guitarrista David Gilmour. La dialéctica entre los temas y las transiciones entre ellos configura trabajos unitarios, monolíticos, pautados por los temas melódicos, la narración, el ritmo y la estructura como si fuesen construcciones materiales.

Wright será el enlace entre Gilmour, el compositor de melodías, y Waters y Mason, los arquitectos –en su propia terminología**– que construían la unidad y la coherencia de los trabajos. El grupo, que aparentemente había perdido su cabeza, se recompone a base de tener cuatro.

Los discos se volverán recurrentes. Tan recurrentes como las arquitecturas de arquitectos que fundamentan su carrera en el desarrollo de una idea base: las fachadas profundas de Andrea Palladio; la construcción material de las ideas de Etienne-Louis Boullée; la planta central en Antoni Gaudí; las estructuras anisótropas de Ludwig Mies van der Rohe; la sección libre en Rem Koolhaas; las estructuras porticadas de RCR arquitectes.

Pink Floyd contribuirá a la consolidación del elepé como unidad artística. Siempre el mismo modelo de disco, poco a poco más depurado: primero basándose en un tema central ligado, alimentado, preparado por un rosario de temas satélite, como ocurre en los discos Atom Heart Mother (la fundación de la etapa post-Barret) o Meddle. Después grabando un continuo de temas más cortos, que orbitan el módulo de minutaje comercial y que resultan coherentes cuando se escuchan seguidos y en orden.

El modelo alcanza su primera plenitud en The Dark Side of the Moon, su primer disco coherente de principio a fin, y culminará en 1980 con The Wall, un trabajo terminal al que el grupo no sobrevivirá. En 1983 queda oficialmente disuelto. Su reunificación, sin Waters y con Wright como músico invitado, servirá únicamente para recrear los éxitos de la banda perfeccionándolos técnicamente pero sin aportar gran cosa.

Los trabajos principales del grupo, intensamente politizados hacia la izquierda, dan vueltas sobre el tema de la locura y, a través de ella, sobre la añoranza del líder perdido, sobre la relación entre lo racional y lo irracional, sobre el instinto y el control. Sobre la raíz misma, idea base, de su arte. Pink Floyd considerará todo lo que envuelve su música como parte integrante del mismo proyecto. Las fundas de los discos serían confiadas a artistas prominentes, que elaborarían obras de tal potencia que han llegado a ser iconos incluso para miles de personas que nunca han escuchado un disco del grupo. Sus actuaciones en directo se producirían en escenarios de espacialidad muy evidente y dominada por un círculo central, que es el foco; una pantalla que relaciona y da escala a la escena respecto al patio de butacas. Gracias al sonido cuadrafónico –y a los efectos especiales mediante humo de hielo seco o mediante reactores cruzando oportunamente los recintos donde actuaban– el grupo conseguirá, de manera singular, desligar la procedencia del sonido de la posición geométrica de los músicos en el escenario del concierto.

Todas estas pautas permitirán que el grupo amplíe las fronteras de la música a cualquier tipo de manifestación cultural que les interese. Sus procesos de trabajo pueden llevar a considerar a Pink Floyd como el estudio de arquitectura que llevó la disciplina, en los años sesenta, a la construcción psicodélica de espacios de luz y sonido; lugares efímeros que, a través de su factura, manifiestan tanta fuerza como una estructura material.

J.P.O.

(*) Another Brick In the Wall, tema del álbum The Wall, de Pink Floyd, 1979

(**) Povey, Glen; Russell, Ian (1997). Pink Floyd: in the flesh, the complete performance history (1st US paperback ed.). St. Martin's Press. ISBN 978-0-9554624-0-5.

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Una versión previa de este artículo, documentada con imágenes, puede leerse en scalae.net

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eXtra track -youtube- Pink Floyd - Live at Pompeii - Directors Cut, 1:31'05"

ecos de ...otro ladrillo en el muro

El proceso de sincretismo post-Barret da luz –y algunas sombras– sobre la línea creativa de los Pink Floyd. La psicodelia, su camino inicial, habría sido una buena salida; y los intentos de sintetizar su música en canciones –letras, melodías, un formato más pop–, si bien consiguió darnos su obra maestra, también fue el principio de su declive: la sencillez aparente hace aflorar más las virtudes y defectos y agota rápidamente tus fuentes.

Los colores, las formas, necesitan ser reinventadas en cada proyecto, como evitar caer en la autocomplacencia. Difícil huir de la curva ascendente /descendente de la creatividad.

Todo mereció la pena para conseguir su piedra angular: The Dark Side Of The Moon es un armazón indestructible, más allá de otras preferencias. Y su solidez no deja de ser hija de la historia.

Música y arquitectura comparten su alimento de la técnica y de la creatividad. Cuando la balanza se inclina, los resultados son desiguales. Y, si bien aceptamos una técnica muy básica en los Pink Floyd al amparo de sus musas, se nos hace difícil admitir lo mismo con la firma de un arquitecto al que creo se le debería exigir, sí o sí,  el irrenunciable y profundo conocimiento de su arte.

por Jordi Gas, músico

(perfil en scalae.net)

[Spotify: GAS, 2013; iTunes: GAS, 2013; por Jordi Gas]

...corazón bebido*

–deployé de cobre, pixels construidos y baterías sin platillos–

Jeff Buckley murió prematuramente a los treinta años, en 1997, mientras trabajaba en el que tenía que ser su segundo disco de estudio, titulado provisionalmente –y premonitoriamente– My Sweetheart The Drunk.

El año siguiente fueron comercializadas las maquetas del disco, prácticamente sin editar: una mezcla de canciones más o menos resueltas con un sonido que no terminaba de satisfacer al músico y unas maquetas grabadas con un equipo semiprofesional de cuatro pistas que perseguían el sonido definitivo del disco, sin que se pueda llegar a saber si habrían sido dadas por buenas.

Solo alguien con formación musical puede percibir como inacabado el producto final. Las maquetas suenan cuidadas, precisas. La instrumentación es rica y las interpretaciones vocales están a un gran nivel. La perfección técnica contrasta con el modo precario con el que se grabaron una parte remarcable de discos que han determinado la historia del rock.

Las cintas para los master eran muy caras y se estropeaban con facilidad. Tan solo daban para grabar tres tomas de un tema. A menudo se tenían que grabar dos instrumentos –normalmente la base de ritmo– en una sola pista para reducir costes. Apenas se podían rehacer tomas. Resultaba  habitual que apareciesen ruidos de fondo. Una escucha atenta los delata.

En la canción Oh, Jim, del disco Berlin (1973) de Lou Reed, el batería Aynsley Dunbar inicia con un solo complicado y golpea sin querer, a media ejecución, el borde de un timbal. En la parte final, interpretada por el mismo Reed solo con la guitarra, se escucha perfectamente cómo alguien enciende un cigarrillo con una cerilla. El disco de Rod Stewart Every Picture Tells a Story (1971) se grabó en unas condiciones económicas al límite. Una audición atenta de la excepcional canción Maggie May revela que Micky Waller, el batería, tocaba un instrumento de pésima calidad que obligó a un gran trabajo de postproducción –en el que se tuvieron que añadir los platillos, de los que carecía la batería– que no consiguió evitar el desastre.

Los trabajos que el arquitecto Michael Roschach realiza con hormigón** pivotan entre la gran perfección técnica de sus objetos acabados y la necesidad de haber tenido que usar más de uno como prototipo del siguiente, adquiriendo su obra un valor de serie en la que cada pieza acabada se constituye en maqueta de la siguiente. Sus muestras de hormigón incluyen pruebas de encofrado*** flexible, hormigón doblado antes de endurecer, texturas incorporadas a superficies tersas de hormigón de modo parecido a los paneles de hormigón prefabricado que dan forma a la fachada del Museo de Arte Contemporáneo de Nottingham, de Caruso St. John, letras grabadas o moldeadas, y otros experimentos que ya ha incorporado a sus productos. Estas piezas traen fácilmente el recuerdo de otras de arquitectos como Herzog & de Meuron casi cada vez que recurren a la construcción húmeda: fotografías impresas sobre paneles con retardante de fraguado, pátinas producidas mediante la acción de la lluvia o el goteo de un canalón de acero oxidado. Maquetas donde la técnica, el tiempo o la descontextualización del objeto conceden un valor de obra terminada que contrasta intensamente con su uso como elemento industrializado y repetido en un edificio.

La lógica del fragmento, del pequeño componente acabado con gran perfección técnica y con una relación compleja con la globalidad del trabajo, no distingue escalas ni disciplinas y relaciona obras como la de Buckley, Roschach o Herzog & de Meuron a través de la constante exploración de la expresividad de un material constreñido por lo convencional de un uso que ha limitado drásticamente su abanico de posibilidades.

J.P.O.

(*) My Sweetheart The Drunk, álbum póstumo de Jeff Buckley, 1998

(**) Hormigón y Concreto son sinónimos de un mismo material de construcción aplicado mediante moldeo. Su composición habitual es de cemento, áridos de granulometría pequeña y agua. Al fraguar endurece como una piedra artificial y es resistente a compresión. Cuando incorpora barras de acero en su configuración se le adjetiva 'armado' y permite conformar elementos estructurales y constructivos horizontales que trabajan a flexión como son jácenas, zancas, zunchos y vigas o verticales como muros, pilares y columnas.

(***) Armazón, habitualmente construido con tablas de madera, que constituye el molde que –una vez relleno de hormigón y fraguado– tiene que dar forma a la pieza arquitectónica o estructural o...

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eXtra track -youtube- Michael Roschach - concrete letters, 1'08"

ecos de ...corazón bebido

En cada nuevo proyecto tengo pequeños fracasos y, si empiezo a controlar un tema, me animo a modular otro. A veces pierdo el control. Es un caos real y mental, y la escasez de los medios a veces es un límite bienvenido. Si todo fuera posible me perdería.

Ser un buen artesano –un músico también puede ser un artesano–, según Richard Sennett, es ser una persona que se arriesga y que luego sabe gestionar sus fracasos.*

Me parece fundamental pensar así para poder seguir trabajando e innovando.

(*) Richard Sennett, “El Artesano”, ed. Anagrama, traducción de Marco Aurelio Galmarini, 2009, ISBN 978-84-339-6287-4.

por Michael Roschach, arquitecto

(www.michaelroschach.com)

[facebook: Michael Roschach concrete works]

...el blues del matadero*

–beneficios de la conservación del patrimonio industrial–

Barcelona y Madrid, con veinte años de diferencia –de 1891 a 1911–, inauguraron en la periferia de la ciudad sus nuevos mataderos. El de Barcelona, de cuatro hectáreas, sería iniciado por Antoni Rovira i Trías y terminado por Pere Falqués. El de Madrid, con una extensión del doble, sería proyectado y construido por el arquitecto Luis Bellido y el ingeniero José Eugenio Ribera que, acuciado por la carestía del acero que propició la primera guerra mundial, diseñará una de las primeras estructuras civiles de hormigón armado en España.

El acto fundacional común a las dos instalaciones será la definición de un recinto cerrado, no tanto por motivos de higiene o de control como por separar físicamente una actividad que resulta  perturbadora. En Madrid, el matadero se situará junto al río Manzanares, entonces recientemente canalizado, relacionándose con un enorme espacio vacío que, además, es un corredor de viento. En Barcelona se situará en la periferia del ensanche, cerca de grandes piezas de equipamientos que Ildefons Cerdà no quería dentro de la ciudad: una prisión, unos cuarteles, una de las tres plazas de toros de la ciudad y la estación de tren que servía a la mayor fábrica de Cataluña, la España Industrial, la cual desaparecerá a la vez que el matadero, víctimas del esfuerzo de las ciudades por expulsar su economía productiva extramuros.

El matadero de Barcelona fue arrasado hasta su cimentación en 1979. Fallado un segundo concurso, el equipo formado por Beth Galí, Màrius Quintana y Antoni Solanas levantan un parque –y una biblioteca de barrio– que respeta y aprovecha lo único que permanecerá de la instalación: los desmontes de tierra. Una escultura enhiesta de Joan Miró vigila la intervención desde su cuadrante norte. El parque, de gran éxito entre la ciudadanía, será visto por el Ayuntamiento, primero, como un espacio vacío que aumente la sección de la calle Tarragona lo suficiente como para poder justificar, compensando densidades, una operación especulativa consistente en construir torres a intervalos regulares –a partir de un proyecto de Jordi Garcés y Enric Sòria– y, después, como una reserva de espacio para la construcción de diversos equipamientos que, dispuestos en el solar sin orden ni concierto, desvirtuarán el proyecto original alterándolo gravemente.

El Matadero de Madrid seguirá activo, parcialmente y con dificultades, hasta 1996, año de su clausura. Por el camino habrá sobrevivido a varios intentos de derribo y a la segregación de una parte del recinto para su uso como Junta Municipal de Arganzuela. Paralelamente a todo este recorrido se iniciaron campañas con el objetivo de catalogar el conjunto. Con éxito: tan solo un año después de su –definitiva– clausura ya quedará catalogado.

En 2007 el arquitecto Arturo Franco inaugura la primera fase de la reforma, consistente en las instalaciones de Intermediae, intervención que incluye un nuevo acceso a través de la valla del recinto –conservada intacta a lo largo de los años–. El resto continuará reformándose en fases. El recinto se mantiene tal cual. El parque Madrid Río ha convertido el Manzanares en el pulmón urbano. La estructura de pabellones y el espacio vacío semipúblico existente entre las naves –que aloja una pérgola móvil proyectada por Andrés Jaque– es suficiente para garantizar la cohesión del conjunto. Las diversas instalaciones oscilan entre las dos tipologías extremas marcadas por las intervenciones en las naves gemelas 15 y 16 –en su momento las piaras más hermosas del país–. La primera, realizada por María Langarita y Víctor Navarro, deja intacta la nave, con todas las cicatrices del abandono, los huecos de obra sin carpinterías, para colonizarla primero y habitarla después a base de unos pequeños pabellones –dentro del pabellón– que contienen espacios de trabajo de medidas variadas, dejando el resto del espacio como rincones de actividad jerarquizados por la medida, dispuestos como si se tratase de un exterior ajardinado. La segunda, obra de Iñaqui Carnicero, Ignacio Vila y Alejandro Viseda, es una infraestructura que interviene sobre la geometría de la nave, consolidándola y segregando de manera flexible una cuarta parte mediante paneles móviles, de acero, para conseguir un espacio de usos múltiples.

Las dos intervenciones polarizan las actitudes de los arquitectos hacia el contenido o hacia el continente con resultados de idéntica calidad que fija la memoria del lugar en un continuo que va desde la Dehesa de Arganzuela, donde se ubica, hasta cualquier programa que se quiera proponer en el futuro: arquitectura incremental en Madrid, un presente que perdió la memoria en Barcelona.

J.P.O.

(*) Abattoir Blues, un tema de Nick Cave incluido en el álbum doble de 2004 “Abattoir Blues/The Lyre of Orpheus”

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eXtra track -youtube- Red Bull Music Academy Madrid 2011, 5'25"

ecos de ...el blues del matadero

El caso es que nuestra labor de arquitectos es, cada vez más o en gran medida, trabajar sobre lo ya construido. La tarea pasa a ser la de transformar cuerpos ya formados.

La construcción es constructiva y destructiva, hacer y deshacer, modelar y tallar. Hablamos de metamorfosis: no se trata de ir de las partes a un todo sino de un todo a otro todo. Destruir es también construir. Una de las modalidades más interesantes de destrucción es aquella que sólo afecta a la ruptura de los vínculos semánticos asociados al objeto.

Una tarea habitual de futuro será la que anuncia la estrategia del ready-made, que consiste en alterar el lado imaginario de lo ya existente, por modificación de usos, funciones o formas de interpretación simbólica sin cambios en lo ya hecho.

Jaume Prat nos habla, en su texto, de acciones constructivas-destructivas y de metamorfosis en general. Una parte importante de nuestros objetivos será incrementar la capacidad de negociación en terrenos inestables, sujetos a una agitación, un calentamiento por cambios materiales o por reajustes en los significados.

por Juan Navarro Baldeweg, arquitecto

(perfil en scalae.net)

[Elogio de la Luz: vídeo-reportaje sobre Juan Navarro Baldeweg, RTVE]

...mística doméstica*

–de profundis Cataloniae–

Las aguas del Atlántico y las montañas del Pirineo. Mossèn Cinto Verdaguer, uno de los poetas máximos de la lengua catalana, puso voz a la Renaixença** y con ello anunció el Modernismo, enraizándolo de un modo místico en la geografía abrupta del norte de Catalunya –barrancos, brumas, hombres de digestiones pesadas– y expandiéndolo hasta las calles de La Habana en un viaje de ida y vuelta promovido por Antonio López y López, Marqués de Comillas, suegro del mismo Eusebi Güell que encargó a Antoni Gaudí sus obras principales. Una de esas obras, los accesos a su finca ubicada en lo que ahora es la Zona Universitaria, en el lado montaña de la Diagonal, estaba basada directamente en su poema L’Atlàntida. Poco después de la muerte de mossèn Cinto, en 1902 –su funeral fue el más multitudinario que se recuerda en la ciudad de Barcelona–, la reacción a su obra motivó la aparición del Noucentisme, corriente de pensamiento que trasladaba el origen de Cataluña de las profundidades del Pirineo a las playas de la colonia griega de Empúries.

El músico Roger Mas editó, en 2008, el disco más complejo y difícil de toda su carrera, Les Cançons Tel·lúriques. Se trata de un trabajo conceptual dividido en cuatro partes y una introducción que explora los mismos ancestros nacionales que Verdaguer postulaba en su poesía.

Inevitablemente, Mas vive y trabaja en Solsona, la ciudad donde nació, después de haber hecho su viaje de ida y vuelta particular, habiendo vivido en otros países y habiendo estudiado formas musicales de todo el mundo. Les Cançons Tel·lúriques arranca con una introducción en la que se usa el tabal, tambor típico del norte catalán –bombo grande, membrana poco tensa–, para acompañar unos sonidos graves que parecen arrancar del mismo suelo. El cuerpo central del disco adapta seis poemas de Verdaguer de un modo desacostumbrado: tratando su voz como un instrumento más, moviéndose con total libertad entre la música popular, el free jazz e, incluso, el rap –que lleva tiempo usando a su manera, sin bases programadas, con poco protagonismo de la percusión–, para adaptar poemas propios y ajenos a la música. La producción mezcla indiscriminadamente instrumentos del panorama rock –dominando los acústicos sobre los eléctricos– con los clásicos y los tradicionales catalanes, incluyendo algunos verdaderamente difíciles de manejar, como la tenora, instrumento de viento con pico de caña, de poca tesitura y sonido estridente. El segundo cuerpo del disco adapta canciones de la Cataluña profunda: el Ball de l’àliga de la Patum de Berga, Patrimonio Cultural de la Humanidad, o los Goigs –gozos– de la Màre de Deu de Solsona. El disco termina con tres temas propios casi imposibles de entender si no se ha viajado al lugar.

RCR Arquitectes editaron, en 2011, un libro titulado Les cases que no criden –Las casas que no gritan–, centrado en las masías del Parque Natural de la Zona Volcánica de la Garrotxa, del que son arquitectos asesores desde 1989. El libro, un esfuerzo editorial remarcable, es, en sí mismo, un proyecto de arquitectura. Está basado en tres pilares: las fotografías –en blanco y negro– que Pep Sau realizó de estas masías, dibujos a mano alzada y planos. A través de esto, RCR enraíza, sin discontinuidades, su obra con estas construcciones. Y, a través de ellas, con la tierra, con el paisaje, con la cultura más inmediata que las rodea. Vistas estas obras siguiendo el análisis que los mismos autores proponen –del paisaje al detalle constructivo, en un zoom que explora volumetrías, accesos y materiales–, nos enfrentamos a un patrimonio arquitectónico casi desconocido, de hondísimo calado, y, simultáneamente, obtenemos las claves para entender su obra: su relación con el paisaje, su tratamiento de la luz, su pasión por los materiales.

Mossèn Cinto Verdaguer, Roger Mas y RCR Arquitectes, cada uno con su obra, proponen algo muy parecido: sólidamente enraizados en sus ciudades, en su paisaje, en su cultura, extienden sus ramas bebiendo del mundo para ahondar todavía más en su cultura, enriqueciéndola, entrelazándola con la cultura global en un viaje compartido de lo universal a lo particular, y viceversa.

J.P.O.

(*) Mística Domèstica, álbum de Roger Mas, 2005

(**) La Renaixença fue un fenómeno cultural del segundo tercio del siglo XIX que reivindicó la lengua catalana como una forma de expression de la sociedad civil del país.

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Una versión previa de este artículo, documentada con imágenes, puede leerse en scalae.net

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eXtra track -youtube- Danielle Berwick - My walk to the office (el despacho) of RCR Arquitectes in Olot, 3'10"

ecos de ...mística doméstica

Cuando alguien escribe un texto, este ha de resultar un relato, una historia que te lleve a otro espacio y a otro tiempo, que te transporte a su imaginario. Esta capacidad es la que crea el espacio, aquello que ocurre entre dos tiempos.

Pero si entendemos que el tiempo no existe –y que simplemente es una convención para no llegar tarde a una cita que nos complace–, entonces el espacio es infinito.

Esta capacidad de relatar es la que tiene Jaume Prat, justo esta, TODA esta, que, sin necesidad de ser explícito, para nosotros dice MUCHO.

por Carme Pigem, RCR arquitectes

(www.rcrarquitectes.es)

[ebook scalae: RCR arquitectes ...self]

...apartad de mí esa luz*

–el cáliz del contraluz, de las religiones, de internet–

En 1989 Tadao Ando completa la Iglesia de la Luz, en Ibaraki, prefectura de Osaka. El templo, una planta basilical de pequeñas dimensiones, se resuelve únicamente con tres materiales: hormigón armado, las planchas de encofrado –reutilizadas en el mobiliario y en el pavimento– y la propia luz. La luz revela el espacio, pero no lo ilumina. La luz construye una cruz gigante, tan grande como el propio templo, que deslumbra a los parroquianos, que impide que se muevan libremente por la sala, que jerarquiza intensamente el espacio y convierte en metáfora** a la mismísima Iglesia Católica: una empresa esclerotizada, inmovilista, piramidal, con una verdad emanada directamente de sus dirigentes, sin diálogo ni voluntad de escuchar.

A principios de 2013, Nick Cave lanzó su trabajo Push the sky away. La música de Nick Cave está basada en unos fondos musicales trabajados por toda su banda, The Bad Seeds, que envuelven unas letras muy elaboradas con una interpretación de una sensibilidad excepcional. Obviando sus méritos musicales, Cave puede entenderse como un hombre de letras. Es autor de dos novelas, The ass saw the angel y The death of Bunny Munro  y tres guiones cinematográficos, todos ellos filmados: Ghosts… of the Civil War, The Proposition y Lawless, los dos últimos dirigidos por John Hillcoat, el mismo que adaptó The Road, a la que Warren Ellis y el propio Cave pusieron la banda sonora. Cave es un escritor culto, denso, capaz de citar desde la Crítica de la razón pura de Inmanuel Kant en la canción There Is a Kingdom, a William Morris en More News from Nowhere, parafraseando la novela –casi– homónima del autor, o de trascender la novela Jubile Street, de Shelley Harris, en la canción del mismo título, quizás la más hermosa de Push the sky away.

La portada del disco es la más intimista de todos sus trabajos: una fotografía a contraluz de su dormitorio enfocando los porticones semiabiertos. Nick Cave, a la izquierda, abre uno de par en par para iluminar el cuerpo desnudo de su esposa, Susie Bick. La habitación está teñida de una luz lechosa, delicada. Los porticones centrales forman, claramente, una cruz análoga a la de la iglesia de Tadao Ando.

La luz de la iglesia es la protagonista absoluta del espacio. No ofrece ni la más mínima posibilidad de otro uso alternativo. El usuario (el fiel, nunca mejor dicho) únicamente puede tomar asiento y quedar subyugado por el espectáculo, concebido para intimidar e imponer una Palabra que ha de llegar acríticamente por boca del sacerdote –único miembro de la ceremonia que no estará cegado por la luz– a la consciencia del participante. La belleza del espacio tiene algo inapelable, terrible, inevitable, resultando más propia del éxtasis que de la sensualidad.

La escena de la habitación de Cave es sólo comprensible para alguien ajeno a este espacio –el poseedor del disco–. Para un voyeur invasor de una escena íntima. La luz es, por lo tanto, una barrera. Para los dos protagonistas, en cambio, el panorama es diferente. Para ellos la luz es suave, matizada, sensual. Nunca la recibirán directamente sobre los ojos: es un marco de acción, un acompañamiento; no es la protagonista directa sino un velo que hará más deseables a los protagonistas y a la acción. La luz envuelve y acompaña. No impone.

Nick Cave, en cualquiera de sus historias –considerando sus canciones como tales–, ha destilado la belleza más pura a partir de la sordidez, de la crueldad; a partir de cuentos y de, incluso, un disco entero con canciones sobre asesinatos, niños abandonados, prostitutas incapaces de corresponder el amor incondicional de un cliente; canciones estructuradas como himnos religiosos, declaraciones de amor u odio violentos, sexuales, intensos. Nick Cave trata su propia religión como una base atormentada, retorcida, lujuriosa e insana desde la cual –a través de un proceso doloroso– extraer este tipo de belleza. La que se opone a la luz que permite celebrar, que glorifica la belleza y el sexo, a la que simplemente construye opresión: la que tenemos asociada a la mayor parte de los templos católicos.***

La oposición entre la luz que construye la angustia –belleza terrible, estática, inapelable– y la luz que define la belleza del movimiento nos tendría que obligar a reflexionar a la hora de crear cualquier espacio trascendente. Sea para el sexo o sea para la plegaria.

J.P.O.

(*) Push the sky away, álbum de Nick Cave, 2013. En la presentación pública del álbum, Cave comentó que Internet ha influido "acontecimientos importantes, modas momentáneas y absurdos con tintes místicos" y "cuestiona cómo podríamos reconocer y asignar peso a lo que es realmente importante".

(**) El edificio pertenece a la Iglesia Unida de Cristo en Japón, y evoca la filosofía Zen, la luz de las iglesias románicas, y la austeridad protestante, y es por tanto una síntesis ejemplar de gran parte de la historia del cristianismo.

(***) No es así en el caso de Antoni Gaudí, que obvia la sensualidad para dar a la luz una componente decididamente sexual: baste recordar las ventanas en forma de vagina –a las que curiosamente resulta difícil encontrar el clítoris– en la Cripta de la Colonia Guell.

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Una versión previa de este artículo, documentada con imágenes, puede leerse en scalae.net

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eXtra track -youtube- Nick Cave & The Bad Seeds - The Making of Push the Sky Away, 6'41"

ecos de ...apartad de mí esa luz

El artículo de Jaume Prat está lleno de sugerencias puntuales, pero también de posicionamientos respecto a temas muy generales sobre la forma arquitectónica y su integración en los fenómenos de la percepción del espacio. Y también algunas afirmaciones puntuales que pueden provocar un debate al margen.

Por ejemplo, en el primer párrafo se dice –englobando un criterio elogioso casi indiscutible– que el templo de Tadao Ando está resuelto sólo con tres materiales.

Parece que haya un consenso indiscutible en la afirmación cualitativa de la unidad de materiales, incluso haciendo la pequeña trampa de considerar la luz como un material cuando en realidad es la definición espacial por excelencia.

Esto sucede muy a menudo en la crítica arquitectónica: hay afirmaciones que sólo deberían ser descriptivas y que, en cambio, conllevan una calificación que se presenta como indiscutible. ¿Queréis decir que utilizar un único material es un hecho indiscutiblemente positivo? Lo podríamos discutir, ¿si? antes de afirmarlo.

Hay que recordar que no es lo mismo simplificación que pobreza expresiva.

por Oriol Bohigas, MBM arquitectes

(perfil en scalae.net)

[ebook scalae: Oriol Bohigas ...self]

...me voy a inventar un plan*

–mi generación, cuatro palabras sobre el contexto–

La música popular catalana está experimentando el momento más dulce de su existencia. Por diferentes motivos. El principal es que los músicos han encontrado por fin el modo de apropiarse de unas formas musicales –y de una manera de expresarlas– que, desde un localismo estricto, son válidas en todo. La música popular contemporánea se nutre de las raíces del blues y del rock, música americana que los británicos supieron hacer suya a mediados de los años sesenta. Desde allí vino la revolución. Cualquier país con voz propia, desde entonces y hasta hoy, ha tenido que asimilar e interiorizar esta manera de expresarse para refundarla completamente. La generación que ronda actualmente los cuarenta años –cinco más, cinco menos– ha sido clave para este hecho. El oficio que han recreado conecta de manera sólida con unos maestros todavía activos, muchos de ellos en estado de gracia: vienen a la memoria nombres como Quimi Portet, Pascal Comelade, Albert Pla, Adrià Punti o, incluso, Jaume Sisa. Se basa en una combinación de músicos autodidactas mezclados con músicos formados en diferentes conservatorios y escuelas de música repartidas por todo el país. Aquí se tendría que reivindicar el Teatro Atlàntida de Vic como algo más que un edificio.

El plantel es diverso: del Rock con mayúsculas de Mishima o Standstill al viaje sin retorno a la Cataluña profunda de Roger Mas; de los modos vanguardistas de Antònia Font –o los trabajos en solitario de su líder, Joan Miquel Oliver– al folk mestizo de Paul Fuster. Refree, Astrud, Silvia Pérez-Cruz, Els amics de les arts o Manel –grupo empeñado en registrar la búsqueda de un sonido de manera enciclopédica– servirían de ejemplos de una lista afortunadamente muy difícil de completar sin correr el riesgo de dejar injustamente algún talento en la cuneta. Estos músicos han sido capaces, cada uno de ellos a su aire, de afrontar –navegar entre– influencias internacionales, instrumentos sin tradición en nuestra cultura, un contexto económico y cultural cambiante, un IVA** cultural más cercano a un boicot que a un impuesto y un cambio de costumbres de los consumidores para –a través de iniciativas privadas, muchas veces soportadas por economías ínfimas– expresar y aumentar la fortaleza de una cultura hasta uno de sus mejores momentos en trescientos años. Con seguridad, el mejor desde la Renaixença.

El camino que ha seguido la generación paralela de arquitectos catalanes ha sido próximo. Por encima de todo prima la reivindicación de un oficio –su refundación–, motivada por un panorama de cambio, incierto, desigual. Apasionante, a pesar de las incertidumbres que trae consigo. Las formas y tipologías de la arquitectura de los últimos años han sido pensadas, fundadas y basadas en revoluciones originadas más allá de nuestras fronteras. La tarea de estos arquitectos es darles raíces. Sus colegas pasan, muchos de ellos, por momentos dulces –agridulces por culpa de un panorama económico que requiere, siendo el mantenimiento y los costes de un edificio muy superiores al de una grabación sonora, de una infraestructura superior y, hoy, muchas veces, demasiadas veces, inviable–. Ellos mismos expanden los límites de la disciplina y se basan, al igual que los músicos, en pequeñas economías y en lo privado antes que en una administración pública diezmada, sobreexplotada y agotada.

La generación es igualmente diversa: de la expresión a través de la creación de sistemas de Josep Camps y Olga Felip a la reivindicación de técnicas casi artesanales de H arquitectes; de la orfebrería integradora (más es más) de Josep Ferrando a los trucos visuales de Anna i Eugeni Bach. Paco Cifuentes, Vora Arquitectura, Gerard Puig y David Sebastián, Anna Podio o Pau Vidal, Sergi Pons y Ricard Galiana son buenos ejemplos que, de nuevo, dejan la lista injustamente incompleta. Los límites de la disciplina se amplían a través de la labor de Ariadna Perich en el mundo académico, Moisés Puente en el de las publicaciones o Montserrat Galindo en el de la prescripción y el asesoramiento.

El optimismo vital de todos estos compañeros –más los que me dejo– será necesario para abordar el reto principal de la arquitectura contemporánea: volverse próxima, muy cercana, reivindicando la capacidad de ilusionar como un factor más –si no el principal– de la funcionalidad.

J.P.O.

(*) "Adelante, Bonaparte"... que vamos tarde; tema de Standstill que incluye la frase "Me voy a inventar un plan ...para escapar hacia adelante"; Standstill, 2010.

(**) El IVA es el Impuesto sobre el Valor Añadido. El Gobierno de España ha fijado el IVA sobre los productos culturales en el 21%, dejando a esta industria completamente desprotegida a nivel nacional de un modo que parece indicar mas un espíritu revanchista que no una decisión consistente.

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eXtra track -youtube- Standstill - Adelante, Bonaparte, 3'16"

ecos de ...me voy a inventar un plan

Nuestra generación tiene un claro denominador común tanto si eres músico, escritor, cineasta, actor, científico, mecánico o doctor…: todos y cada uno de nosotros nos identificamos por la actitud ante la profesión y ante la vida.

Somos emprendedores, surferos natos, nos mueve y conmueve el reto. Nos inquieta, ¡claro! No somos héroes, somos humanos, humildes y prudentes. Nos gusta cazar la oportunidad en potencia al vuelo y convertirla en oportunidad palpable y real.

Hace poco se estrenó Les coses grans –las cosas grandes– de Roger Coma, una autoproducción financiada mediante micromecenazgo sobre lo grandes que son las cosas pequeñas.

Coma, que es actor de formación, aquí es también productor, director, guionista, escenógrafo…; su papel se diluye. Comparte y coopera con un buen equipo, donde todos están dispuestos a transversalizar su profesión de origen.

Somos emprendedores en tanto que sabemos que todo es posible y también sabemos que sólo lo es mediante la generosidad, la cooperación y el esfuerzo.

por Olga Felip, Camps i Felip arquitectes

(perfil en scalae.net)

[ebook scalae: josepcamps · olgafelip ...self]

[humano]

Imágenes y capturas que dan cuenta de las pequeñas cosas que rodean lo cotidiano –abstracto, imaginado o real– de Jaume Prat Ortells: viajes, planos, dibujos y manos, cocinares, fotografías y los rituales diarios de desayunar, leer y trabajar en el bar Catalunya de Sant Cugat del Vallés, Barcelona.

[referencia: Jaume Prat Ortells por sí mismo]

Barcelona, 1975. Arquitecto por la ETSAB UPC, Escola Tècnica Superior d'Arquitectura de Barcelona de la Universitat Politècnica de Catalunya, desde 2002, he colaborado en diversos estudios entre los que destacan los de Pep Garcia Cors y Emma Villanueva, Josep Lluís Mateo, Lluís Comerón, y Enric Massip-Bosch, donde pude trabajar principalmente en equipamientos públicos y privados y reflexionar sobre los edificios que configuran ciudad. Recuerdo especialmente el trabajo sobre edificios docentes (la sociedad y sus fundamentos) y, sobre todo, el desarrollo de la Prisión de Tàrrega, una ciudad en pequeño que obligó a todo el equipo a una reflexión muy seria sobre la sociedad y sus límites . Desde el mismo año comparto estudio propio con Montserrat Farrés y Merwan Chaverra, bajo el nombre de mmj arquitectes. He construido algunas casas y he desarrollado propuestas de concurso por toda Europa y Sudamérica. Paralelamente, empecé a escribir de manera regular en 2006* para dar salida a una serie de inquietudes que cabían en un estudio convencional, tratando de relacionar y expandir la disciplina hacia otros ámbitos. En 2010 entré en scalae.net como jefe de redacción, cargo que desempeño desde entonces compaginándolo con todo lo demás.

(*) Blog "Arquitectura, entre otras soluciones" ESP, "Arquitectura, entre d'altres solucions" CAT

[agradecimientos y red]

Agradecimientos de Jaume Prat Ortells...

...A los que tengan la paciencia de terminar el libro: se lo merecen. Especialmente aquellos que lo lean sin ser arquitectos.

...A la gente Scalae: principalmente Félix y Montse. Y a Victoria, por su paciencia y sus comentarios. Al resto del equipo. A los que han estado antes. Esto es más una familia que una editorial.

...A todos los que me han enseñado algo y me han hecho crecer: más de los que puedo listar. Más de los que puedo decir.

...A mis maestros.

...A los que hemos compartido tantas horas de entregas en los estudios donde hemos pasado risas y cabreos. Entre ellos (a riesgo de ser injusto) Esteve, Mariana, Marc, Mar, Gemma, Yolanda, Gloria y Mireia.

...A todos los que hemos concursado juntos.

...A José María Sánchez García, Iñaqui Carnicero, Paco Casas, Javier López, Josep Ferrando, Juan Domingo Santos, Borja Ferrater, Ariadna Perich y Roger Such, por haberme abierto las puertas de la facultad. Y porque haya valido la pena.

...A Miquel, Anne-Sophie y a Marta.

...A Josep F.

...A Merwan.

...A Michel.

...y a Montse. Todos sabéis por qué.

El equipo editorial agradecemos el apoyo, trabajo y consejos de las personas y empresas invitadas a formar parte de los consejos editorial e industrial de la colección internacional de ebooks de arquitectura + arquitectos de scalae, y de las entidades e instituciones también invitadas a colaborar desde la red institucional y de subscripción. Su inspiración y generosidad ha permitido tanto el lanzamiento de la colección como el perfeccionamiento de sus principios, la idoneidad de los procesos y objetivos compartidos y la evidencia de este ejemplar que llega a las manos de personas interesadas por la arquitectura y por los agentes que intervienen en su constitución.

Queremos agradecer a Jaume Prat Ortells la disposición y esfuerzo para hacer de este libro ebook un documento completo.

Agradecemos las fotografías de Xavier Ortells Nicolau, Montserrat Farrés, Jaume Prat Ortells, que completan el material gráfico y documental de este libro.

Agradecemos a Apple y a Amazon la inclusión de los ebooks de scalae como libros descargables en sus respectivas tiendas.

[participar]

Compartir en la redes sociales es muy sencillo: en la mayoría de dispositivos, o aplicaciones capaces de leer un ebook como éste, cuando se selecciona un párrafo es muy posible que aparezca un cuadro de diálogo para ofrecer –entre otras opciones– la posibilidad de compartir el párrafo seleccionado siempre que se disponga de una cuenta en facebook o en twitter y se haya dado de alta en la configuración del dispositivo o aplicación.

Es posible, por otra parte, incorporar nuevos ecos, artículos, opiniones o anotaciones sobre Jaume Prat Ortells, sus propósitos personales o sus trabajos profesionales como arquitecto, en el canal de participación abierta de scalae.net: envíar las propuestas* a ebooks@scalae.net de modo que, una vez aceptadas por el consejo editorial, podrán ser publicadas en la red y optar a su inclusión en el correspondiente libro ...about de la colección de ebooks de scalae.

(*) Para el caso de los ecos textos de un máximo de 150 palabras; para el caso de los artículos textos de un máximo de 4.000 caracteres, espacios incluidos, en versión original y –si diferente– también en versión inglesa, en los que las personas autoras establecen una conexión crítica entre su propio contexto o intereses personales y la arquitectura o contexto personal de agentes de los que ha sido publicado o anunciado un libro scalae ebook ...self. Ver artículos ya publicados en la sección de documentos de www.scalae.net

[subscripción]

¿Por qué subscribirse? Porque es la manera gratuita de recibir en el correo personal los ejemplares nuevos y las actualizaciones, listos para su lectura en el dispositivo preferido (iPod, iPhone, android, Kindle®, ePub reader, iPad, tablets, ordenador portatil o de sobremesa). Nuestra recomendación, por ser en la actualidad las opciones mas versátiles: Kindle®, Kindle® app o iBooks app.

Subscripciones en www.archbib.com

Barcelona, junio de 2013

[despliegue de la colección]

ya publicados...

· ebook "Oriol Bohigas ...por sí mismo"

· ebook "Josep Camps y Olga Felip ...por sí mismos"

· ebook "Josep Ferrando ...por sí mismo"

· ebook "Anna y Eugeni Bach ...por sí mismos"

· ebook "RCR arquitectos ...por sí mismos"

· ebook "Comentarios y preguntas de... Jaume Prat Ortells"

· ebook "Álvaro Siza Vieira ...por sí mismo"

· ebook "Debate BIA-AR 2014 principios"

descarga >>> scalae.net, archBIB.com, itunes, amazon

[copyright]

Primer ejemplar ...from de la colección de ebooks de arquitectura + arquitectos de scalae, completando el despliegue del mapa fractal, geodésica si se prefiere, que supone la combinación de ejemplares ...self, ...from y ...about. Jaume Prat Ortells ofrece nueve relatos de nueve experiencias que tienen en común el planear paralelo –rara vez choque o cruce, jamás metáfora– entre fragmentos de arquitecturas, retales de arte y expresión de vida: circunstancias, precisiones o vivencias relacionadas con la literatura, el cine, la música popular o algo que no tiene todavía nombre.

Los ejemplares digitales de la colección scalae de ebooks de arquitectura + arquitectos son gratuitos, por lo que no está permitida su venta. Si la persona lectora desea compensar las satisfacciones de la lectura de un modo material sugerimos su contribución a los programas de colaboración de Arquitectes Sense Fronteres.

(cc) 2013 de sus autores. Este documento se ha publicado bajo licencia Creative Commons: Reconeixement - NoComercial - CompartirIGual (by-nc-sa). No se permite el uso comercial de la obra original ni de las posibles obras derivadas, cuya distribución ha de ser resuelta bajo una licencia igual a la que regula la obra original.

Table of Contents

SCALAE | JAUME PRAT ORTELLS | ...comentarios y preguntas

[créditos de la colección. 2017]

[colección internacional de ebooks de scalae]

[créditos del ejemplar. 2017]

bonus track

Humano: bar Catalunya, collage por Jaume Prat

[índice: artículos y ecos]

reflejo: espacios erógenos, sobre Pallasmaa, Siza...

...espacios erógenos

ecos de ...espacios erógenos

reflejo: una serenata friki, sobre Comelade, Jujol, Llinás...

...una serenata friki*

ecos de ...una serenata friki

reflejo: el merodeador de las planas altas, sobre Eastwood, Five Architects, Nouvel, Holl...

...el merodeador de las planas altas

ecos de ...el merodeador de las planas altas

reflejo: otro ladrillo en el muro, sobre Pink Floyd...

...otro ladrillo en el muro*

ecos de ...otro ladrillo en el muro

reflejo: corazón bebido, sobre Michael Roschach

...corazón bebido*

ecos de ...corazón bebido

reflejo: el blues del matadero, sobre Galí, Quintana, Solanas, Franco, Langarita-Navarro, Carnicero...

...el blues del matadero*

ecos de ...el blues del matadero

reflejo: mística doméstica, sobre Mas, RCR arquitectes...

...mística doméstica*

ecos de ...mística doméstica

reflejo: apartad de mí esa luz, sobre Cave, Ando...

...apartad de mí esa luz*

ecos de ...apartad de mí esa luz

reflejo: me voy a inventar un plan, sobre la generación de Jaume Prat Ortells...

...me voy a inventar un plan*

ecos de ...me voy a inventar un plan

[humano]

Humano: perfil, por Xavier Ortells Nicolau

Humano: plano, por Montserrat Farrés

Humano: cocinares, por Jaume Prat

Humano: librería, por Jaume Prat, recortado por Félix Arranz

Humano: manos, por Jaume Prat

[referencia: Jaume Prat Ortells por sí mismo]

[agradecimientos y red]

Humano: bar Catalunya dibujado, por Jaume Prat

[despliegue de la colección]

[copyright]